miércoles, 1 de julio de 2015

FESTIVAL DE CINE LGBTIQ ASTERISCO 2015

Asterisco, festival internacional de cine lgbtiq, está organizado por el Ministerio de Justicia y Derechos Humanos de la Nación, dirigido por la realizadora Albertina Carri, y programado por Carri, el crítico Diego Trerotola, y el crítico y coleccionista Fernando Martín Peña.
La segunda edición se llevará a cabo entre el 14 y el 19 de julio de 2015 en Buenos Aires.



ASTERISCO es un festival internacional de cine sobre diversidad sexual que celebra las diversas y múltiples maneras de ser, de amar y de estar en el mundo; de relacionarse y formar familias, de convivir en equidad y respeto por las diferencias.
ASTERISCO es una declaración de principios: el * es una forma de incluir en el lenguaje a la diversidad, el uso del * para evitar las marcas de género es una estrategia que busca la inclusión de todas las identidades.
Tod*s incluid*s.

Producido por la Secretaría de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia y Derechos Humanos, a través de la Subsecretaría de Promoción de Derechos Humanos, con el auspicio del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.


Asterisco incluirá una competencia internacional de largometrajes, una de cortometrajes, y una competencia nacional de work in progress. Vuelven las secciones: La piel que habito, Pioneros Queer y Vampiras lesbianas y otros monstruos homoeróticos. Se inauguran las secciones: Bromance Criollo, Atrapadas, Cuenta Conmigo e Intersex, junto al programa Homocore Downtown New York. Los focos de esta edición serán: Holanda, Eloy de la Iglesia, Hans Scheugl y Jenni Olson. Además contará con invitados internacionales y actividades paralelas.

Colaboran en la realización del Festival Asterisco la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF); el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo (INADI); Ministerio de Desarrollo Social; Ministerio de Seguridad; Ministerio de Trabajo, Empleo y Seguridad Social; Ministerio de Cultura; Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto; Dirección General de Cultura del Honorable Senado de la Nación; Ministerio de Educación; Museo de la lengua y Biblioteca Nacional.





Los premios son:

PREMIO COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES
Estatuilla Grupo Mondongo y Premio I.SAT por la adquisición para emisión.
PREMIO COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES
Premio adquisición para emisión otorgado por INCAA TV.
PREMIOS COMPETENCIA WIP
Premio LAHAYE: Servicios de post-producción
Premio El Cono del Silencio: Servicios de estudio de sonidos, mezcla y operador.
Premio Copia Cero: Traducción y subtitulado al Inglés.
Premio Ventana Sur que consiste en la participación en la sección Films in Progress de Ventana Sur.

Las sedes son: 

CINE GAUMONT SALA 1 Y 2 - Espacio INCAA: Av. Rivadavia 1635 (entrada $ 8)

BAMA Cine Arte: Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1145 (entrada $ 30)

MALBA CINE- Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires: Av. Figueroa Alcorta 341(entrada $ 30)

KINO PALAIS - Palais de Glace: Av. Del Libertador 1248. (entrada gratuita)

AUDITORIO ENERC - Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica:
Moreno 1199 (entrada gratuita)

AUDITORIO LEONARDO FAVIO de la Biblioteca del Congreso de la Nación: Alsina 1835 (entrada gratuita)


Las sedes de las actividades especiales son: 

CASA BRANDON - Luis María Drago 236, Ciudad de Buenos Aires
MILION - Paraná 1048, Ciudad de Buenos Aires
SALÓN ARTURO ILLIA DEL PALACIO DEL CONGRESO DE LA NACIÓN
Hipólito Yrigoyen 1849, Ciudad de Buenos Aires (ingreso con DNI)


Les presentamos las películas seleccionadas para la competencia oficial:

Competencia largometrajes




 Do I Sound Gay? (Estados Unidos - 2014 – David Thorpe)

¿Existe un tono de voz fuera del closet? ¿La orientación sexual determina una tonada? ¿Hay un timbre de voz gay? Algunas de estas preguntas suenan en la cabeza de David Thorpe, quien las pronuncia en voz alta en este documental cuya primera persona del singular se vuelve plural. Incorrectamente disconforme con su propia voz, Thorpe decide investigar sobre su tono, en un periplo que le llevó mucho tiempo y en el que reúne a las voces de amigos, transeúntes, comediantes como Margaret Cho, actores como George Takei y profesionales lingüistas y fonoaudiólogos, incluyendo a una especialista en entrenar voces de estrellas de Hollywood como Robert De Niro. A partir de la indagación generacional de
la cultura americana y la influencia de Truman Capote y Liberace o los villanos de Disney, pero también teniendo en cuenta las particularidades de la propia biografía, el cineasta logra atravesar distintas capas de la experiencia de un tema paradójicamente silenciado. Estigma y homofobia, pero también construcción de una identidad: el sonido de la voz está pensado con la suficiente libertad para asumir y enfrentar los prejuicios propios y ajenos tanto como para elevar el grado de inteligencia propia y ajena. Diego Trerotola


De Gravata e unha vermelha? (Brasil -2014 – Miriam Chnaiderman)

“Ni varón, ni mujer, ni XXY, ni H2O”, canta nuestra poeta Susy Shock, y en esa breve y lúcida frase se resume el espíritu de De gravata e una vermelha. Chnaiderman construye este documental a partir de entrevistas a personajes ilustres como Ney Matogrosso, Laerte Coutinho y la estrella Rogéria, e incluye a jóvenes diseñadores de ropa, cantantes, performers, maestr*s y fotógraf*s. Transexuales, transgénero, transformistas, cross dressers, tod*s cuentan parte de su vida y la forma en que llegaron a ser quienes son atravesando los prejuicios de una sociedad heteronormativa, binaria y patriarcal. Para cada un* de ell*s el camino fue distinto, pero entre todos estos testimonios se arma una revelación única y necesaria: no podemos seguir educando a niños y niñas en la heterosexualidad obligatoria. La identidad de  género y la sexualidad son móviles, deben ser espacios de libertad que se transitan con alegría, nos dice la psicoanalista y realizadora Miriam Chnaiderman, y apoya esta revelación con un despliegue visual que incluye películas de Ed Wood, decorados saturados en brillo y tonalidad, vestuarios que parecen de otro planeta, luces de colores que explotan la pantalla y los sentidos, shows en vivo que llenan de energía, menciones a Pasolini, Barry Lyndon o Kubrick, y una banda sonora tan queer como vigorosa.  Albertina Carri




Dólares de arena (República Dominicana – 2014 - Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas)

Si hay algo por lo que el film Dólares de arena merece ser visto y agradecido es por la actuación magistral de Geraldine Chaplin, que acepta con increíble generosidad el papel de una vieja dama francesa que, en lo que se consideraría el ocaso definitivo de una vida, decide reencontrar la posibilidad del amor y el deseo en una joven dominicana sin otro recurso que su belleza, recreando así una historia de intereses cruzados –afectivos y económicos – en la playa de Santo Domingo donde ella se ha retirado. Los directores tomaron la decisión de ir lo suficientemente lejos, recorrer la piel gozosa de la anciana, sus arrugas, sus manchas, sus depresiones;  documentar el abrazo contrastante con la anatomía firme de la mulata Noelí (Yanet Mojica). El cuerpo expuesto de Anne (Chaplin) opera como discurso sobre la vejez sexuada en detrimento de la “vejez correcta”, aquella que, si se revela enamorada o apasionada, debe quedar para el ojo discreto de la cámara en el primer plano de un rostro en el que el deseo es insinuación o sufrimiento.  Alejandro Modarelli


El Hombre Nuevo (Uruguay -2015 – Aldo Garay)

“Cuando no tenés con qué coser, mejor es sacar”, dice Stephania, y con un cuchillo acomoda el vestuario que carga en un carro de compras, entre la intemperie y las pensiones baratas que no siempre quieren abrirle la puerta. Así enuncia la estrategia del despojo y, a la vez, una ética que sostiene toda la película de Aldo Garay, que sigue a su protagonista como esperándola, como si quisiera desaparecer detrás de ella. Stephania fue un niño modelo, alfabetizador de adultos a sus siete años durante la revolución sandinista, objeto de una adopción por parte de una pareja de militantes tupamaros que lo criaron en Uruguay y lo dejaron sin contacto con sus siete hermanos, y expulsada de su casa cuando se decidió a encarnar su identidad de género y quedó abandonada a la marginalidad que puede leerse en la trayectoria vital de la mayoría de las travestis. Sin énfasis pero con la crudeza de lo que se expone por sí mismo, aparecen la discriminación, el sexo pago, el trabajo más que informal en la edad adulta y la añoranza por aquellos sueños revolucionarios de los que Stephania fue parte. Sin embargo, el supuesto “hombre nuevo” de los ideales de las décadas del sesenta y setenta se revela con la crueldad que impone ese masculino hegemónico que solo deja para ella exclusión y desarraigo. Marta Dillon 

Heterofobia (Argentina – 2015 – Goyo Anchou)

La trama podría resumirse así: el joven Mariano sufre un desengaño violento con un amigo heterosexual, que desencadena su odio contra el orden (patriarcal) del mundo y finalmente encuentra la paz, esperando amorosamente la revolución. Pero lo singular de esta película no se agota en su tema sino en la forma elegida por Anchou para contarlo: la odisea de Mariano se despliega en una superposición literalmente infinita de texturas visuales y sonoras, propias y ajenas, en contrapunto casi permanente con una narración en off que procura (y logra) transformar todo lo banal en extraordinario. La música acompaña todo ese recorrido e irrumpe en la imagen de manera recurrente, por lo general en forma de guitarra, creando el clima necesario para cada fragmento ante nuestra mirada, generalmente atónita. El resultado tiene algún parentesco con la obra de Ernesto Baca y con algunas experiencias del Neoexpresionismo Digital, el movimiento instigado por Ricardo Becher. Pero en lo esencial es felizmente inclasificable, porque Anchou tiene su propia poética, una forma personalísima de combinar la gravedad con el desparpajo, una ética de la insolencia. Fernando M. Peña




Je Suis Annemarie Schwarzenbach (Francia/ Suiza – 2014 – Véronique Aubouy)

De belleza andrógina y un charme melancólico que avivaba pasiones (la de Carson McCullers, por ejemplo), Annemarie Schwarzenbach (1908-1942) fue una escritora de singular lirismo, fotógrafa, reportera, trotamundos y arqueóloga suiza. Decididamente antifascista –mal que le haya pesado a su madre, simpatizante nazi –, lesbiana, morfinómana y amiguísima de los “terribles gemelos” Klaus y Erika Mann, no es de extrañar que su intensa y breve vida sea recuperada. Empero, a diferencia de documentales como Une Suisse Rebelle, de Carole Bonstein, o textos como Ella, tan amada, de Melania Mazzucco, Je suis Annemarie Schwarzenbach suspende la intención meramente biográfica. Aquí, “el ángel inconsolable”, como la definió Roger Martin du Gard, deviene en evocación celeste que “guía” excursiones experimentales, alucinados juegos de rol. Apenas un prisma, un pretexto que sirve a la realizadora francesa Véronique Aubouy para sostener la situación de casting como género e interrogar –no sin cierta ingenuidad– el eros, las identidades en tránsito, la utopía de la libertad, basando su búsqueda en las historias de las jóvenes actrices y los actores convocados. Oscilante entre la memoria íntima y la semblanza, entre la telerrealidad y la dramatización, entre el voyeurismo y un juego de circo, el ambiguo resultado intenta la identificación empática con un personaje tan atractivo como complejo. Y, de contar con la buena voluntad de su audiencia, probablemente lo logre por momentos.  Guadalupe Treibel

Land of Storms (Hungría / Alemania – 2014 - Ádám Császi)

En los partidos de fútbol o en los vestuarios alemanes, Szaby soporta las reglas y el acoso de un entrenador sádico, aunque el clima que encuentra cuando regresa a su rústico pueblo húngaro no es menos violento. El traslado del protagonista apenas tiene una mención irrelevante, porque no es este un film de trayectos geográficos, ya sean físicos o psicológicos. En este sentido, la mención de que la ficción se basa en un hecho real no apunta al documento sino al dato político que subyace en los acontecimientos que empujan los sentimientos y la pasión hasta precipitarse. Uno de los méritos de Ádám Császi es su manejo virtuoso de los espacios por los que mueve a personajes que no terminan de encontrar un lugar definitivo para vivir con plenitud ya no su identidad, sino su elección sexual. Los paisajes, climas e interiores tienen aquí la densidad que les otorgan los cuerpos en su desplazamiento, como en la tradición del mejor cine húngaro. La concentración en esos cuerpos masculinos no rompe, sin embargo, un tono reflexivo y de intenso erotismo a la vez. Notable dosificación del tiempo narrativo que finalmente certifica un sutil pasaje, para los protagonistas y los espectadores: el que va de la incertidumbre a la inquietud, tal cual sucede con los circuitos de la pasión amorosa. Ana Amado




Night Flight (Corea - 2014 – Leesong Hee-il)

Night Flight transcurre en ese espacio privilegiado de lo narrativo que es la adolescencia, ese momento en que la subjetividad se ve trastocada por un deseo desconocido y, por lo tanto, se devela como incómodo e inconfesable. Aquí dos amigos de la infancia se enfrentan, entre sí y a ese deseo, de manera descarnada, violenta, desbordada y confusa. El deseo homoerótico es tan irreverente y demencial como la realidad que padecen ambos en un vuelo oscuro que no parece tener fin. Hay una desenfrenada presión por parte de los adultos que los rodean por convertirlos en personas exitosas y, aunque para las familias de cada uno el concepto de éxito no es el mismo, sí se juega a fondo una necesidad de convertir a esos adolescentes en líderes de algo. Ser el más fuerte de la pandilla o ser el que entra a la universidad más prestigiosa de Corea: la presión que se ejerce sobre ambos protagonistas solo puede derramarse en crueldad y ostracismo. La maniobra épica y visual a la que nos expone Hee-il Leeson hace referencia a un cine que aquí ha circulado mucho por festivales pero que en este caso va un paso más allá y despliega en su puesta una intimidad psicoafectiva muy poco transitada, encarnada por personajes que vacilan entre la intimidad del deseo y su posición social, entre la subjetividad y una realidad en ruinas, entre la violencia y lo entrañable.  
Albertina Carri


The Duke of Burgundy (Reino Unido -2014 – Peter Strikland)

El coleccionismo de insectos como metáfora del sexo parece ajeno, pero si se piensa en el acecho paciente, en la violencia pequeña y precisa que se requiere para fijar a la presa con alfileres, en la mezcla de horror y deslumbramiento que hay en el cuerpo peludo de cada polilla y mariposa, algo hace contacto y saltan chispas. Algo como una perversión elegante, la misma que reúne a las protagonistas de The Duke of Burgundy en una casa de ubicación tan imprecisa como los sueños. Cynthia (Sidse Babett Knudsen) es la que manda, usa tacos altos, medias translúcidas y polleras entalladas, y aunque a veces le toca castigar a la mucama por no haberle lavado como corresponde las bombachas de encaje, la vacilación con que obedece los pedidos de Evelyn (Chiara D’Anna) hace tambalear los roles. Evelyn es la que limpia, llega a la casa de su amante en bicicleta y con una capa que le da un aire de colegiala sumisa. Le gusta que la patrona la ate y le aplaste la cara entre las piernas. El movimiento entre las dos, ese aleteo que va y viene del erotismo a la crueldad, es lo que Peter Strickland –un obsesionado del sonido– trata de capturar con morosidad de entomólogo en un clima alucinado, pautado por vuelos de polillas y chillidos de insectos.
Marina Yuszczuk


Competencia cortometrajes

Afirmar con ello otro mundo  (Argentina – 2014 – Melisa Aller)
been too long at the FAIR (Estados Unidos – 2015 – Charles Lum & Todd Verow)
Como pez en el aire  (Argentina – 2015 – Fredo Landaveri)
Cosmic Anxiety  (Italia – 2015 – Renato Muro)
El novio actual  (Argentina – 2015 – Martín Shanly, Jerónimo Quevedo)
Happy & Gay (Canadá – 2014 – Lorelei Pepi)
Kumu Hina: A Place in the Middle  (Estados Unidos – 2014 – Dean Hamer, Joe Wilson)
O Clube (Brazil – 2014 – Allan Ribeiro)

Competencia Work in Progress

Estero Profundo (Jonatan Villar)
Hoy partido a las 3 (Clarisa Navas)
Karma (Damián Erviti)
Las Lindas (Melisa Liebenthal)
MOCHA (Francisco Quiñones Cuartas, Vida  Morant y Miguel Nicolini)
No es de maricas llorar (Diego Schipani)
Príncipe y Príncipe… y otros cuentos (Nicolás Sorrivas)
T y el canto de Lilit (Emilia Faur)






SR WOOF JULIO
















Modelo: Coco
Ph: Fuentes2Fernandez Fotografía
Vestuario: Faccioso y Portate Bien.

DÍA INTERNACIONACIONAL BDSM

El 24 de julio (séptimo mes del año) se celebra en todo el mundo el Día Internacional BDSM. Se eligió esa fecha porque representa la sumisión frente al amo durante 24 horas los siete días de la semana. Esta práctica que es practicada tantos por hombres como por mujeres, tiene una gran cantidad de adeptos que eligen disfrutar de su sexualidad de un modo diferente. A continuación algunos tips de esta cultura que practican tanto hombres como mujeres.


The fetish art by Taylor Buck

¿Qué es y qué significa BDSM?

BDSM es la denominación usualmente empleada para designar una serie de prácticas y aficiones sexuales relacionadas entre sí y vinculadas a lo que se denomina sexualidad extrema convencional.
El término se emplea a menudo, de forma equivocada, como sinónimo de sadomasoquismo. En realidad, es una sigla que da nombre a lo que hoy en día es considerado como una subcultura específica entre sus practicantes. El BDSM se halla estrechamente asociado con la subcultura leather y la sigla BDSM corresponde al término Bondage, Disciplina, Sado y Masoquismo. A su vez también contempla los términos Dominación y Sumisión, agregando dos nuevas variantes a la misma.
La práctica del BDSM contrariamente a lo que muchos creen, no se basa en inflingir o provocar dolor; es mucho más abarcativa, un mundo intelectual, estética y eróticamente rico y complejo.
Cada práctica tiene un significado mucho más profundo de lo que a priori podría parecer. El castigo de un Dominante a su sumiso no termina ahi, este acto conlleva un acto erótico y pone en manifiesto la entrega de una persona a otra, y la aceptación de la responsabilidad, del cuidado y protección de la parte Dominante hacia la sumisa.
Más allá de la gran cantidad de prácticas que abarca el BDSM (y que sería imposible enumerar), estamos hablando de un concepto, una filosofía global donde el placer es el objetivo, pero que requiere de diversos factores tales como consenso, seguridad, confianza... y una vez alcanzado estos, no hay nada que se le asemeje.

Desde los años noventa surge un nuevo concepto, el Rack, es el acrónimo de Risk Aware Consensual Kink, riesgo asumido y consensuado para prácticas de sexualidad alternativa (o no convencional): racsa. El racsa pone los acentos en la responsabilidad propia de los participantes en una actividad BDSM, responsabilidad informada y consensuada para evaluar y asumir los riesgos de dicha actividad. Más que una diferencia semántica o de concepto, los partidarios del racsa tratan de modernizar una definición (la del SSC) que se concibió fundamentalmente para trazar una línea divisoria con los malos tratos o la violencia de género, pero que sus mismos impulsores han tenido que reconocer, una y otra vez, que su propósito original estaba siendo defraudado y prostituido por el uso intolerante, extremista y poco inteligente por parte de algunos grupos marginales dentro de la comunidad BDSM.




El cuidado y el respeto

No deben confundirse las torturas y humillaciones con la falta de respeto. Todas las acciones llevadas a cabo en un ambiente BDSM son acciones previamente consensuadas y proyectadas dentro de un marco de seguridad.

El cuidado es otro de los factores fundamentales. El dominante tiene la obligación de asumir la responsabilidad del cuidado y el bienestar de su sumiso, ya que este se entrega completamente en sus manos. Es por eso que la confianza es tan necesaria en este tipo de relaciones.
El BDSM no es improvisación ni se basa en el dolor per sé, sino que por el contrario, requiere de meditación y planificación previa, control, precaución, consideración y otros diversos factores.
La comunidad internacional vinculada al BDSM viene poniendo especial énfasis en que las prácticas sean SSC, es decir, Safe, Sane and Consensual (seguro, sensato y consensuado), término acuñado en 1983 por David Stein. Su ideólogo lo definió del siguiente modo:
Las relaciones BDSM deben seguir un modo seguro, sensato y consensuado respecto a sus prácticas:
Seguras, en cuanto al conocimiento necesario sobre su desarrollo y sobre el material usado, así como sobre la prevención de riesgos.
Sensatas, en cuanto a la capacidad razonable de decisión por parte de los actores, no alterada por drogas o bebidas y acorde con la experiencia de cada participante, sabiendo diferenciar fantasía y realidad.

Consensuadas, en cuanto a que los participantes estén de acuerdo sobre la forma e intensidad con la que se realicen, e igualmente que dicho acuerdo pueda rescindirse en cualquier momento.


Bandera Leather


Palabra de seguridad

La palabra-código (también así llamada) es usada por la parte sumisa para indicar de forma rápida que el grado, las circunstancias o la actividad que se está desarrollando no es de su gusto y que desea parar. La ética del BDSM prefija que en todo momento la parte dominante respetará dicha manifestación e interrumpirá la actividad.


Roles

En el BDSM se identifican dos roles: dominante (también usado el término top, o activo) y sumiso (también bottom o pasivo). El dominante es el que disfruta de estas prácticas manteniendo la iniciativa y el control de la acción, mientras que la parte sumisa obtiene placer al entregarse en manos del dominante, para que sea éste quien le dirija.
El consenso que se establece en todas las relaciones BDSM es precisamente lo que le dota de un contenido específico, distanciándolo de cualquier situación de violencia no-pactada, como los malos tratos, la violencia de género, etc. Al igual que el consenso sexual, permite distinguir con claridad cuando dos personas están haciendo el amor y cuando, al faltar este, se produce una violación, de igual manera comparar una sesión BDSM (pese a la apariencia de violencia verbal o física) con una situación de malos tratos, sería como pretender comparar la noche de amor de una pareja con la infamia de una violación.

Disciplina es un término genérico que describe las actividades de quienes gustan, por activa o por pasiva, de la flagelación erótica, también llamada la práctica de los azotes eróticos.

MUNDO WOOF



MIÉRCOLES 8 de JULIO: PRE-FERIADO EN CONTRAMANO


Estamos en Rodriguez Peña 1082 (casi Santa Fe) desde la medianoche. ¡Te esperamos!
Víspera del feriado del día de la Independencia en CONTRAMANO... así que aprovechá para salir, sobre todo si te quedaste con ganas de salir el sábado...



AMKBEARS


Fiestón patrio. Entre amigos, buena música y mucha diversión. 
Acordate que si cumplis años en estos días Amerikanbears te invita a festejarlo con tus amigos.
OSOS - CAZADORES - ADMIRADORES - CURIOSOS
Todos son bienvenidos!

★★★ DJBEAR ★★★ AMKBEARS RESIDENT
★★★ ROYKA ★★★ LATIN + POP PARTY

►Te esperamos en Gascon 1040!
►Entrada general $100 C/Consumición
►Happy Hour de 1 a 2 am

DISCOS JULIO



"Cerati Infinito" fue lanzado al mercado el 2 de junio del 2015 por Sony Music. Es un álbum póstumo que recopila la música de Gustavo Cerati en sus distintas etapas solista, desde su disco debut 'Amor Amarillo' (1993), hasta su último álbum de estudio 'Fuerza Natural' (2009). El compilado incluye un total de 19 canciones que no siguen un orden cronólogico pero que sirven de muestra para entender la versatilidad de uno de los artistas argentinos más creativos y talentosos del último siglo.
El ex lider del Soda Stereo, grupo con el que supo conocer el éxito en toda Latinoámerica, fue forjando su carrera solista intentando tomar distancia de su rol de superestrella. Su álbum debut grabado de forma casera nunca tuvo una presentación oficial, y lo más parecido a eso fue una actuación en los estudios de radio la fm argentina FM 100, en donde interpretó algunas canciones de su debut. De ese primer disco se incluyen las maravillosas: 'Te llevo para que me lleves' y  'Lisa'. Su segundo álbum "Bocanada" (1999), fue un disco mucho más elaborado que contó con las colaboraciones de músicos emergentes como Leo García, Flavio Etcheto y Francisco Bochatón. De esta producción se incluyen la cool 'Bocanada', 'Puente' y el lascivo 'Paseo inmoral'. Su tercer álbum de estudio fue "Siempre es hoy" (2003), un trabajo extenso y desparejo basado en su ruptura matrimonial del cual se desprenden los singles 'Karaoke', 'Sudestada', la bailable 'Cosas imposibles', y 'Nací para esto'. En su cuarto trabajo "Ahí Vamos" (2006) vuelve a exhibir su talento como guitarrista y edita un disco mucho más rockero en donde se aleja de los sonidos electrónicos por un rato, las canciones elegidas de ese álbum son: 'Crimen', 'Adiós', la rockerísima 'La excepción', 'Me quedo aquí',  y 'Lago en el cielo'. La última producción discográfica de Cearti fue "Fuerza natural" (2009), en donde convergen todos los Cerati posibles. El rockero, el vanguardista, el adulto, el folklorista. De ese trabajo se incluyen los temas: 'Fuerza natural', 'Deja vu', 'Magia', 'Rapto', y ese hermoso folklore pop que es 'Cactus'.
Cerati sufrió un ACV (Accidente Cerebro Vascular) en Venezuela el 15 de mayo de 2010 que lo mantuvo en coma por cinco años hasta el día de su muerte en 2014. El músico Luis Alberto Spinetta, otro referente importante del rock argentino, le escribió a Gustavo un poema que se incluye en el booklet del disco, además de unas palabras de la madre de Cerati, Lilian Clark.
El álbum puede comprarse en formato de CD simple o CD+DVD. En el DVD hay algunos vídeos grabados en vivo y otros en estudio en el cual se incluyen canciones que no forman parte del playlist de la versión en CD como: 'Pulsar', 'Tabú', 'Engaña, 'Río babel', 'Verbo carne', y 'Artefacto'.

Seguramente no será esta la última recopilación de Gustavo Cerati ya que hay bastante material suyo pérdido por ahí. Colaboraciones con otros artistas y canciones ocultas. Mucho material que seguirá agrandando su legado para ratificar que Cerati sea infinito.

"Cerati Infinito"
GUSTAVO CERATI

Calificación: BRUTUS BRUTUS BRUTUS BRUTUS 1/2






La espera terminó, "Sol Invictus" es el séptimo álbum de estudio de Faith No More, el cual fue lanzado mundialmente el 19 de mayo de 2015, siendo el primer álbum de la banda estadounidense en 18 años. Vale recordar que su último disco había sido "Album of the Year", de 1997.
En total 10 tracks en donde la banda no pide permiso y rompe su propia historia pasada jugando a ponerse muchos disfraces diferentes. En una entrevista que realizó la revista Rolling Stone al bajista del grupo Billy Gould, éste señaló que la esencia del disco es "hipnótico y gótico". Y eso queda demsotrado en el tema que abre el disco, el desconcertante «Sol Invictus», un track oscuro y denso que bien podría ser parte del repertorio de Lacrimosa. Por suerte en «Superhero» comprobamos que efectivmente este es un disco de FNM, que están vivos y nos invitan a una fiesta salvaje en donde la potencia vocal de Mike Patton demuestra que puede ir del grito primal al susurro sin prejuicios. En «Sunny Side Up» amagan con una explosión viceral, pero se contienen. Algo similar ocurre en «Separation Anxiety», demasiado glam al comienzo hasta que al fin Mike explota en una catarata de alaridos calientes. Comienzo denso en «Cone of Shame», en donde balbucea palabras con su voz gutural hasta la mitad del tema en donde por fin asoma un rock grunge seductor. Pero el mayor desconcierto llega con «Rise of the Fall» en donde se animan a un reggae espacial y visceral que vuelve a ratificarnos que Patton es una de la mejores voces del rock. Coquetean con el pop indie en «Black Friday», en tanto que aburren en «Motherfucker» con esa base marcial que nunca despega. La épica «Matador» es demasiado ambiciosa e innecesaria, seis minutos aburridísimos para demostrar que son buenos músicos y Mike un gran cantante, pero la obra en sí es intranscendente. El final llega con «From the Dead», una joyita pop con bonitos arreglos vocales que hace que les perdonemos tantos años de espera.

"Sol Invictus" es de esos discos que tienen fecha de vencimiento, y que de tanto esperar para que lo editen terminan sonando rancio. Un trabajo que tiene su fuerte en la interpretación grupal pero que tienen un gran deficit en la parte compositiva en donde demasiadas ideas no hacen conexión y se dispersan en el espacio. Algunos trazos de sol no alcanzan para pasar el invierno.

"Sol Invictus" 
FAITH NO MORE

Calificación: BRUTUS BRUTUS BRUTUS






El pop de TAN BIÓNICA es de este tipo de bandas a las que les cuesta alcanzar el equilibrio justo con sus canciones, a veces tienen deficit de recursos y otras exceso. El nuevo álbum de la banda argentina vuelve a caer en lugares comunes en los que ya estuvo, aun así, tiene algunos interesantes momentos en donde consigue equilibrar bien las letras y las melodías.
"Hola mundo" es el cuarto álbum de estudio de Tan Biónica y lanzado el 18 de mayo de 2015.  El disco abre una nueva etapa en la historia de la banda, dado que es el primero en ser lanzado simultáneamente en Argentina y otros países hispanoamericanos, a través del sello Universal Music Group.
El disco abre con la instrumental «Hola mundo» interpretado por la Orquesta Filarmónica de Praga, y no se entiende que es lo que quisieron hacer. Le sigue «Tus horas mágicas», un track hitero con sonido a pop rock que fuera parte de la telenovela "Viudas e Hijos del Rock & Roll" por el canal de tv TELEFE. El primer single del álbum en ser lanzado fue «Las cosas que pasan» que fue utilzado por una marca de chicles para musicalizar su publicidad. Interesantes arreglos de cuerdas y un estribillo pegadizo.  La simpleza de «La manera que eligió para matarme» es lo más atractivo de toda la canción y es un gran acierto. Sin embargo en «Un poco perdido», aunque la canción no sea una joya, la participación de Juanes cierra perfectamente su colaboración. Pero es en «700 toneladas» en donde alcanzan el equilibrio perfecto con esa combinación de guitarras folk y ruiditos electrónicos para cabalgar por las llanuras de Santa Fe hasta un funk encantador. Muy a lo peor de Miranda! suena «Hola mi vida», en donde nada es atractivo. Un desconcertante electrodance bipolar desarrollan en «A.M.E.R.I.C.A.» y van de la dureza a la suavidad con un resultado confuso. Se ponen más rockeros en «Víctimas» y caen muy bien parados cuando se animan a las guitarras. En «La otra manera» vuelven a repetir recursos que ya escuchamos en otras canciones suyas, y aunque no está mal, no aporta nada nuevo. El disco cierra con la bellísima «No me atreví a sugerirte que te mueras» , una balada sencilla y breve que justifica haber escuchado todos los temas anteriores.
Un álbum en donde los recursos se repiten y terminan resultando aburridos dentro de un repertorio muy horizontal. Sería bueno que llamaran a letristas invitados y los desintoxiquen del vicio de repetir las mismas palabras una y otra vez. No está tan mal, pero podría ser mejor si van a ser la nueva banda argentina For Export.

"Hola mundo"
TAN BIÓNICA

Calificación: BRUTUS BRUTUS BRUTUS